Nel film di Alejandro González Iñárritu, Tom Cruise attraversa il confine fra cinema e teatro: una prova di maturità interpretativa tra satira, catastrofe e dramma privato

Di Marco Signorile

All’inizio cerco Tom Cruise sotto il volto invecchiato di Digger Rockwell. Il trucco ne modifica i lineamenti, la figura si allontana da quella a cui il suo cinema ci ha abituati. Poi, mentre il racconto procede, smetto di cercare la star. Mi interessa l’attore: il modo in cui abita quella trasformazione e, soprattutto, ciò che accade quando il film rivela un secondo livello della sua interpretazione.

È da qui che nasce il mio sguardo su Digger, il nuovo lavoro del regista messicano Alejandro González Iñárritu. Durante la visione mi sono trovato a osservare la recitazione, la costruzione della scena e il dialogo fra due linguaggi che appartengono anche al mio mestiere: il teatro e il cinema.

Digger Rockwell e “Fossil Fools”: il gioco metacinematografico di Iñárritu

Rockwell è un anziano magnate del petrolio, abituato a un lusso smisurato e a un potere che sembra non dover rispondere a nessuno. Una catastrofe legata alle sue attività estrattive mette in movimento una minaccia ambientale enorme. Intorno a lui, interessi economici e decisioni politiche si intrecciano in una corsa a governare le conseguenze di ciò che è stato provocato. Iñárritu sceglie il grottesco, dilata i comportamenti, porta il linguaggio del potere fino alla sua deformazione.

Ma quella che stiamo guardando è anche una rappresentazione. Il film ci introduce nella preparazione di Fossil Fools, una pièce teatrale che rievoca, nel suo universo narrativo, le responsabilità di Rockwell. Cruise interpreta Curtis Markson, l’attore chiamato a dargli corpo sul palcoscenico. Gli eventi appartengono al passato del mondo immaginato dal film: è questo il gioco costruito dal regista.

Da questo momento, ogni gesto assume un peso diverso. L’enfasi della recitazione trova la propria ragione nella dimensione teatrale. Le parole, le reazioni, gli scontri fra i personaggi fanno parte di uno spettacolo che usa la satira per affrontare una catastrofe e le sue responsabilità. Guardando gli interpreti, avverto una direzione precisa: intensità differenti tenute dentro una stessa architettura, un lavoro d’insieme capace di sostenere anche i passaggi più esasperati.

La frattura intima: l’angoscia di un padre dietro la maschera

Per Cruise, però, la prova si complica ulteriormente. Curtis deve preparare la prima mentre sua figlia risulta dispersa durante un viaggio aereo. Al ruolo da interpretare si sovrappone l’angoscia di un padre in attesa di notizie. La catastrofe raccontata sulla scena incontra così una paura privata, presente, che rende più difficile accettare la leggerezza della satira. Il conflitto dell’attore con lo spettacolo nasce anche da questa frattura.

È questo doppio lavoro ad avermi colpito maggiormente:

• Il primo piano: Cruise deve dare forma a Rockwell sostenendo l’eccesso richiesto dalla pièce.
• Il secondo piano: Lasciare emergere Curtis, l’uomo e il padre travolto dall’inquietudine.

La trasformazione esteriore è il primo incontro con il personaggio; la qualità della prova si misura nella capacità di passare fra questi piani senza perdere la continuità del racconto.

Ho trovato la sua interpretazione magistrale. In questo ruolo vedo una maturità che raccoglie gli anni di carriera e li mette a disposizione di una nuova possibilità espressiva. Digger offre a Cruise lo spazio per mostrare quanto un interprete possa ancora cercare, modificarsi ed esporsi attraverso un personaggio.

Un cast eccezionale e la regia imponente di Iñárritu

Intorno a lui, un cast straordinario sostiene con grande qualità la complessità dell’operazione: John Goodman, Riz Ahmed, Sandra Hüller, Jesse Plemons e Michael Stuhlbarg contribuiscono alla tenuta dell’insieme. La bravura degli attori si riconosce anche nell’aderenza a un linguaggio comune, pur conservando le differenze fra i personaggi.

Iñárritu guida questa materia attraverso una costruzione visiva imponente. Gli effetti speciali, le ambientazioni e le trasformazioni dello spazio accompagnano il continuo passaggio fra ciò che viene rappresentato e ciò che accade dietro la scena. Ho seguito il film con la sensazione di una pressione quasi ininterrotta: dialoghi serrati, immagini dense, eventi che chiedono continuamente attenzione. La tecnologia amplia le possibilità della rappresentazione e diventa parte del rapporto fra palcoscenico e macchina da presa.

Anche la sceneggiatura lavora su questa sovrapposizione: il tema ambientale attraversa gli interessi del potere, la responsabilità individuale e la possibilità di raccontare una sofferenza collettiva attraverso la comicità. Il teatro porta questi interrogativi davanti a un pubblico; il cinema permette di osservare anche il prezzo personale pagato da chi deve interpretarli.

Conclusione: lo spettacolo deve cominciare

Esco dalla sala pensando soprattutto a quel lavoro. A un regista che tiene insieme attori, spazio e artificio; a un cast capace di abitare una forma tanto esigente; a Cruise, che dentro la trasformazione di Digger lascia apparire la fatica di Curtis.

Per chi conosce il palcoscenico, c’è qualcosa di molto concreto in questa immagine: la scena deve cominciare, anche quando la vita dell’attore è rimasta in attesa di una risposta.